Mitificada road-movie vampírica ambientada en paisajes rurales del medio-oeste norteamericano, y protagonizada por un sugerente casting. Fue dirigida por Kathryn Bigelow, y se estrenó el mismo año que la aportación de Joel Schumacher al subgénero con ‘Jóvenes ocultos‘.

A nivel underground la cinta tenía todos los ingredientes necesarios para convertirse en un clásico de culto; una estética genial, caras conocidas, escenas de acción, algo de romanticismo y la siempre fascinante naturaleza del vampiro. Con relación a otras películas de temática similar, lo que más llama la atención en las criaturas de Bigelow, a parte de lo macarras que son, es que a excepción de su inmortalidad y una presumible fortaleza, apenas poseían otras cualidades sobrenaturales que se suelen atribuir a estos seres - como el animalismo o las facultades extrasensoriales. En este sentido y junto a ‘El ansia’ (1983) o la obra Schumacher, se les puede atribuir la categoría de pioneras a la hora de introducirnos la figura de un vampiro alejado de su figura literaria, es decir más moderno y humanizado. Una curiosidad es que en toda la película nunca se pronuncia la palabra ‘vampiro’.

La historia está protagonizada por Caleb, un joven granjero de Oklahoma que durante una noche de farra no se lo ocurre nada mejor que arrimar broca con una atractiva vampiresa del oeste (Jenny Wright). Este viene siendo interpretado por Adrian Pasdar, ahora conocido como el Nathan Petrelli de ‘Héroes‘. Compartía protagonismo con un Bill Paxton pasado de rosca y la genial pareja compuesta por Jesse (Lance Henriksen), y Diamondback (Jenette Goldstein), que ya habían trabajado juntos en ‘Aliens‘ (1986). Nota: Se mire por donde se mire el papel del niño sobraba.

Del flirteo que surge entre los dos pichones, Caleb lleva un mordisco de Mae y automáticamente se transforma. Aturdido y moribundo, será recogido por la ‘familia’ de esta, un grupo de vampiros nómadas que se dedica a recorrer carreteras secundarias metiendo palizas y chupando sangre. El encanto de la historia orbita entre su entorno ‘western’ y el carácter frívolo de la tropa del colmillo, que pondrán al neonato a prueba para ver si está a la altura de las circunstancias.

Con alguna que otra escena remarcable, buenos toques de humor negro, pero bastantes disparates argumentales (sobre todo tirando hacia el final), el problema es que no es lo suficientemente graciosa, ni todo lo seria que cabría esperar, y por lo tanto permaneció relegada a un ‘pudo ser…’ que comparada con otros filmes contemporáneos indispensables (’El ansia‘ de Tony Scott, ‘Noche de Miedo‘ o la mencionada ‘Jóvenes ocultos‘) la acabaron desplazando a un incómodo segundo plano.

‘Fonda sangrienta‘ puede decirse que es un remake/parodia encubierto por lo profundamente ‘inspirada’ que está en la pionera del gore ‘Festín de sangre‘ (1963). Es una de esas películas que trascienden en la memoria de los aficionados al cineclub de sótano más por su estrafalario argumento que por cualquier atisbo de calidad.

Un buen día el tío Anwar, al que le faltan 27 tornillos, se presenta en casa de sus sobrinos, George y Michael, para entregarles sendos medallones del culto a Sheetar, una diosa que tiene 5 millones de años (¿?), y morir al instante acribillado por la policía. 20 años después los hermanos Tutman coinciden en que es hora de desenterrar los restos de su tío, que se reducen a un cerebro con ojos y lengua. Inmediatamente instalan el bote con los restos de Anwar en el almacén de su negocio - un restaurante de comida vegetariana, y se someten a las indicaciones de este para comenzar un proceso mediante el cual se podrá resucitar a la diosa del medallón.

Para ello será necesario que ambos reconstruyan el cuerpo de la diosa con partes amputadas a otras mujeres, y un requisito indispensable, es que las donantes sean así tirando a golfas. Mientras duran las tareas de selección, los Tutman sirven a modo caníbal restos de las víctimas entre los platos del restaurante. Ambas situaciones son el eje central de la historia, y se presentan bajo el amparo de un humor absurdo tirando a majadero, que lamentablemente no funciona muy bien.

Entre el casting, donde todos los personajes destacan por la misma negligencia, no faltan animadoras en pelotas, una pareja de detectives con la misma chispa que un gato de escayola, un cocinero ventrílocuo (¿?) o un par de numeritos musicales que no tienen desperdicio. Pero yendo a lo que de verdad interesa, que es al nivel de hectolitros por minuto, esta ‘blood diner’ tampoco sale muy bien parada, destacando como momento cumbre de la película cuando Michael reboza en la freidora la cabeza de una ‘donante’, convirtiéndole el idem en una croqueta gigante…

Dirigida por un desconocido Jackie Kong y escrita por Michael Sonye, es una película prescindible para entender esta corriente sanguinolenta del cine, pero que a lo más nostálgicos les brindará un billete a las tardes de verano entre colegas, donde el rey de la colina era el que encontraba la cinta más bestia entre las estanterías del videoclub.

Frases clave para asimilar ‘Fonda sangrienta‘:

‘Ultimamente tengo una extraña premonición sobre algún suceso inevitable de proporciones cataclísmicas en un futuro próximo’

‘Alguien se ha estado divirtiendo troceando al personal…’

Tras una incomprensible demora en nuestro país, por fin se estrena en circuito comercial el esperado primer largometraje del director Cántabro Nacho Vigalondo. No hace falta decir, que todos los aficionados al cine de género, acechamos desde hace meses el recorrido de la cinta por festivales internacionales, acrecentando interés y expectativas a partes iguales, en base al suculento palmarés que recolectaba.

Esta expectación y conexión con el mundillo friki, ha sido posible gracias a una loable campaña de marketing, impulsada por el propio Vigalondo, que al más puro estilo norteamericano, fusionó un gran trabajo de diseño artístico con la velocidad y el alcance de Internet para extender la palabra. Vamos, que desde que apareció el primer póster, a todos nos hacia chiribitas por la posibilidad de ver una propuesta ‘indie’ de fantástico hecho en casa.

Cierto es que de un tiempo hasta hoy hemos podido ver co-producciones con un notable acabado como: ‘Los otros‘, ‘El orfanato‘, ‘Los abandonados‘, ‘Frágiles‘ o ‘El laberinto del Fauno‘, orientadas al gran público y firmadas por nombres que suenan cada vez con más fuerza como: Jaume Collet-Serra, Nacho Cerdà o Alejandro Amenábar.

Pero ‘los cronocrímenes‘ va más allá; aquí el colega Nacho dirige con modesto presupuesto, un thriller metafísico de viajes en el tiempo, donde el arte principal lo colapsa una versión contemporánea del hombre elefante (1980) desteñido y con tijeras. Tenía que molar.

Al igual que sucedió con la también reciente [rec], y a pesar de su proyección mediática, ambas son películas minimalistas, refugiadas en la argucia argumental en lugar de pomposos efectos especiales. En este sentido y contra todo pronóstico, con solo cuatro actores y tres ubicaciones, ‘los cronocrímenes‘ posee una estructura narrativa sólida, al margen de sus limitados recursos.

El peso de la historia recae sobre un afinado Karra Elejalde, que consigue dotar de consistencia al personaje de Héctor, un acomodado hombre de mediana edad que la lia en el espacio-tiempo debido a su carácter inquieto y fisgón. A partir del primer viaje, la cinta combina elementos de acción, comedia (el momento carrito de golf no tiene precio) y suspense entre paradojas y paranoias. Las acertadas aportaciones de Bárbara Goenaga y Candela Fernández, se enfrentan con la presencia del propio Vigalondo, que solo hay que verlo para comprobar que está más perdido que una lechuza en una ferreteria.

Al contrario que en producciones como la norteamericana ‘Primer‘, de temática similar, donde te puedes hacer la picha un lio 50 veces, el desarrollo de ‘los cronocrímenes’ está bien remendado, es bastante asequible y se ofrece de forma lineal. No se si esto la favorece o le resta interés, pero en resumidas cuentas, si la ves con buen humor se antoja lo suficientemente interesante como para obviar carencias y augurar un buen futuro para esta promesa de nuestro cine - que ya ha coqueteado con el oscar gracias a su corto ‘7:35 de la mañana‘.

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Se trata de la tercera película, tras ‘Dog Soldiers‘ y ‘The Descent‘, escrita y dirigida por el prometedor Neil Marshall. Un proyecto, que desde las primeras dosis de información que nos llegaron sobre su concepción, levantó ampollas por los clásicos a los que rendía ‘homenaje’.

Ambientada en el 2035, nos introduce en la historia narrando los acontecimientos que situaron a Escocia en cuarentena debido a la propagación de un brutal virus que fulmina a la gente. En base a esto, el resto del mundo le hace el vacio a las islas británicas, y el caos está a la orden del día. A pesar de sus problemas, los londinenses no se las tienen que ver con el virus, pero un buen día, durante una operación rutinaria de las fuerzas especiales, se lia con un grupo de infectados.

En un giro drástico por salvar el culo, los políticos confiesan que todavía quedan supervivientes en Escocia, por lo que deducen que debe existir una vacuna. Para hacerse con ella recurren a un pequeño grupo de especialistas que deberán cruzar la frontera y buscar los laboratorios donde se creó el virus. Este grupo está liderado por la mayor Sinclair (Rhona Mitra), una especie de mercenaria con mucha mala ostia, y además experta en armas y combate cuerpo a cuerpo.

Así ya de entrada, tenemos macedonia de 28 días después y 1997: Rescate en Nueva York (Sinclair también gasta parche en el ojo a lo ‘Snake’ Plissken). Pero lo mejor de todo es que al llegar a Glasgow, a parte de un poseer un entorno apocalíptico, la capital está controlada por una ciudadanía asilvestrada, motorizada y ciberpunki, sometida a los caprichos de su líder, el más punki y zumbado de todos. Así que añadimos Mad Max a la mezcla, y ya tenemos revuelto friki.
Imagino que mucha gente le pasaría directamente con un camión por encima a la cinta, solo por usurpar la identidad de Boyle, Carpenter y Miller… pero la realidad es que en mi caso, su visionado me supuso dos horas de tiros, explosiones, persecuciones y cachondeo de lo más alegres.

Centradándose en el imponente físico del personaje que interpreta Mitra, de cuyo papel sale mucho mejor parada que en la nefasta Skinwalkers, y su instinto de supervivencia, la película posee un acabado decente - al margen del aspecto a telefilm que destila. Las coreografías de lucha, las escenas de acción, la estética retro-futurista a lo Luis Royo, así como los efectos especiales, están resueltos con un gran trabajo de maquillaje, vestuario y montaje. Argumentalmente se puede equiparar a una noche de indigestión por garbanzos, pero resulta tan sumamente absurda que te acaba patinando lo que pase.

Yo me imagino que esto es lo mismo que si sueltas a un niño en una heladería, lo primero que va a hacer es montarse un cucurucho de cinco bolas. Y Doomsday es algo así, podéis considerarla como el capricho de un niño grande, que si lo veis con buenos ojos os hará pasar un rato entretenido

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Lo tiene todo: un arranque enloquecedor, bases contundentes, versos y estribillos repletos de energia, así como montaje y producción acordes al peso del tema. Os dejo con lo más reciente de los norteamericanos Shinedown, y su nuevo discazo “The sound of madness”….

Shinedown ‘Sound of madness’
Fecha de salida: 24.06.2008
Video: Devour

Una película que recuerdo con particular predilección se trata de ‘Días Extraños‘, donde la directora Kathryn Bigelow, responsable también de la mítica ‘Los viajeros de la noche‘ (1987), nos describe un futuro caótico y derretido, al amparo de un guión firmado por James Cameron, y bajo la influencia del escritor y especialista en ciencia-ficción: Philip K. Dick.

Protagonizada por Ralph Fiennes (’El paciente inglés‘, ‘La lista de Schindler‘), Juliette Lewis y Angela Basset, la historia nos introduce en la contaminada idiosincrasia de Lenny Nero (Fiennes), un ex-policía de Los Angeles apático y pesimista que ve como el mundo se desmorona, mientras trafica con una adictiva mezcla de recuerdos en lata y realidad virtual.

Posee una elaborada estética underground tirando al ‘ciberpunk’, ambientada en un apocalíptico año 1999, con los saqueos y la violencia callejera como nota dominante. La historia discurre en 1ª y 3ª persona entre la típica trama policial conspiranoica y brillantes elementos de ciencia-ficción, donde la tecnología y el vicio se convierten en el principal contaminante de la sociedad.

Este desorden y corrupción están perfectamente representados a lo largo de todo el minutaje, desde el carácter melancólico del propio Lenny hasta las revueltas populares que desbordan cualquier sistema establecido. Pese a la escasa repercusión que tuvo en su día, la considero una producción muy a tener en cuenta, ya que a parte de un sugestivo argumento y un trio protagonista magnético, es una cinta arriesgada que nos revela ese futuro que todo el mundo teme, el que puede estar a la vuelta de la esquina y no va de viajes al espacio.

La música de aquel año: despega el ‘grunge’

Acorde con la narración, ‘Dias extraños‘ cuenta con una fantástica selección de temas a camino entre la música electrónica y el rock alternativo - de los que destacan ‘Selling Jesus’ el temazo central de la película - propiedad de Skunk Anansie, las aportaciones perpetradas por el trip-hop del británico Tricky y ‘Overcome’, el new-age de Deep Forest, o la propia Juliette Lewis con la versión de PJ Harvey, ‘Hardly Wait’, la cual interpreta en la película.

Los mediados de los 90 fueron la explosión del ‘grunge’ en todo el mundo, con el alcance de Nirvana, y la posterior muerte de su líder Kurt Cobain, en 1994 este estilo se convirtió en un movimiento de masas, catapultando la carrera de otros artistas como Pearl Jam, Alice in Chains o Soundgarden. Otros grupos que estaban en alza por aquella fecha y aprovechando la eclosión de la MTV a nivel internacional, fueron Red Hot Chili Peppers entre el reverenciado ‘Blood sugar sex magic‘ y ‘One hot minute‘ o los Smashing Pumpkins con su obra magna ‘Mellon Collie & the infinite Sadness‘.

La ‘nación alternativa’ se expandía y se capitalizaba el término ‘independiente’, generando fusiones y variantes para todos los gustos. Y aunque se puede decir que la gran mayoría reciben su inspiración e influencias más directas del underground ochentero, la inmensa oferta de géneros convierten a este estilo en uno de los más prolíficos a la hora de estudiar las distintas corrientes musicales y estéticas del rock.

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Skunk Anansie - Selling Jesus

Tricky - Overcome

Desde que tragué castañas pilongas como: Spawn, Los 4 fantásticos, Elektra o Ghost Rider… y llegué a la conclusión de que es más productivo hacer puenting sin cuerda, cada vez que se anuncia una película inspirada en el cómic un sudor frio me recorre la nuca.

Basada en la serie creada por Stan Lee para Marvel protagonizada por Tony Stark y su alter ego cibernético, Iron Man, he tardado un poco en opinar, pero no quería dejar pasar la oportunidad de hablar un poquillo de esta película, que junto a la cuarta parte de Indiana Jones, forman una antesala de lujo para la ya cercana temporada veraniega.

Al contrario de la mayoría de héroes que circundan el universo Marvel, el carácter de Stark es relativamente complejo y anti-comercial. A grandes rasgos, se trata de un multi-millonario golferas que utiliza su inteligencia superdotada para traficar con armas y largarse de rumbas. Con esta pequeña introducción, podemos extraer dos cosas: que con Robert Downey Jr dieron en el clavo, y que aparte de explosiones y maquinillos voladores, la película podía tener un poco de chicha.

Como todos los héroes basados en un cómic, Iron Man mola por muchas cosas, pero sobretodo porque el prota tiene una armadura de titanio a batería que vuela, lanza cohetes y da la fuerza de un mamut. En este punto es donde merece que se haga un inciso sobre la naturaleza de la historia y su posible explotación en el futuro. Ya que a diferencia de lo que ocurre con muchos otros personajes, en Iron Man el auténtico interés recae en la persona en lugar de en el traje.

De un desaprovechado casting junto a: James Rhodes (como James Rhodes), Jeff Bridges (como Obadiah Stane) y Gwyneth Paltrow (como “Pepper” Potts) el factor Stark se lleva la palma. Robert Downey Jr convence, y sabe sacarle partido a su imagen, vendiéndonos una brillante adaptación heredada del cómic. Y, aunque narrativamente la cinta tiene boquetes bastante considerables (sobre todo la lucha final), y los actores secundarios tienen la misma profundidad argumental que un serrucho, el resultado final se convierte en una prueba dinámica, divertida y realmente expectacular a nivel de efectos visuales. Y para una película de estas características, a mí con eso ya me vale.

En cuanto al desarrollo, la historia explora de forma bastante leal al cómic los orígenes de Iron Man, dando pie a lo que se presupone una segunda entrega más cargada de acción. Así que confiemos en la dirección de Jon Favreau y demos la bienvenida a Stark y cia. al grupo de las adaptaciones de etiqueta negra junto a cintas como: Batman Begins, V de Vendetta, Sin City, Hellboy…

Esta primavera está siendo de lo más fructífera en lo que a lanzamientos oscurillos se refiere. Grandes como Opeth o Moonspell ya tienen el terreno preparado para desplegar sus nuevos lanzamientos en las abundantes citas en directo que tienen programadas.

Os dejo lo más interesante que se puede conseguir dentro del género con su fecha de salida y sus respectivos videos más recientes.

End of you ‘Mimesis’
Fecha de salida: 23.04.2008
Video: You deserve more

Moonspell ‘Night Eternal’
Fecha de salida: 19.05.2008
Video: Scorpion Flower

Birthday Massacre ‘Looking Glass’ (EP)
Fecha de salida: 06.05.2008
Video: Looking Glass

Paradise Lost ‘The anatomy of melancholy’ (DVD)
Fecha de salida: 23.05.2008
Video: Enemy

Opeth ‘Watershed’
Fecha de salida: 03.06.2008
Video: Porcelain Heart

Licenciada en Bellas Artes, especialista en escultura, maquillaje y diseño artístico; me quedé petrificado con la impresionante demostración del minucioso trabajo que lleva a cabo la artista porriñesa Esther Quintas. Repletas de detalles, tanto a nivel conceptual como de desarrollo, entre su catálogo podemos encontrar asombrosas muestras de vestuario, ornamentos, maquillaje, peluquería, ‘body paint’ o efectos especiales de cine. Para contactar y obtener más información: comocuando.es.

¿Recuerdas el momento en que decidiste que querias dedicarte al mundo del arte?

El primer recuerdo que tengo de ser consciente de que me quería dedicar a esto fue el día que mi hermana me dijo que había Bellas Artes en Pontevedra, además de darme una alegría enorme, ahí le puse nombre a lo que me gustaba hacer desde siempre. Cada disciplina nueva que conozco me sorprende y me gusta, incluso el maquillaje social, que no me atraía nada, ahora disfruto haciéndolo. Mi sueño es poder trabajar desarrollando mis propias ideas en cualquiera de las disciplinas.

Ojeando algunos de tus trabajos no he podido evitar darme cuenta que tienes influencias y temáticas de lo más diversas… desde motivos tribales al ensoñador Méliès, pasando por el minucioso folklore oriental al más puro estilo Kabuki…

Si, todo lo que nombras son cosas que me gustan y por lo tanto me influyen. Siempre me llamó mucho la atención la expresividad de los rostros del cine mudo, y la estética de los años 20. Pero también me fascina ver los atuendos de las distintas tribus y culturas, como se peinan, se maquillan, se adornan en cada rincón del mundo. Y de otros mundos, como “La guerra de las galaxias”, “El señor de los anillos”,” Dentro del Laberinto”, “El cristal oscuro”. En general disfruto mucho perdiéndome en los detalles de la naturaleza y en los de las artes decorativas.

Me gustaría saber un poco más sobre el proceso de desarrollo, la inspiración y como surge la necesidad de crear algo nuevo, cuánto tiempo puede llevar, la dificultad.

Normalmente primero surge la idea, y para materializarla hago todos los elementos que la compondrán. Pero otras veces, hay algo, un objeto, un peinado, un fondo, etc, con lo que quiero trabajar a partir del cual creo el maquillaje. Siempre hago bocetos y alguna prueba, pero en el maquillaje final siempre me veo haciendo algo que no estaba previsto, que algunas veces es bueno y otras no. Todo lo que pueda estar hecho previamente es ganar tiempo para el maquillaje, porque al trabajar con modelos el tiempo es limitado, y la sensación de “con media horita más…” siempre está ahí.

Supongo que tendrás algún un ídolo o un referente… ¿qué me puedes contar?

Serge Lutens, no me canso de ver sus trabajos

¿Qué opinas de Internet y sites del estilo: devianart, facebook, myspace, flickr, etc… como medio para difundir el trabajo artístico?

Como escaparate al público lo veo muy bien, pero como medio para conseguir trabajo creo que aún funciona más el boca a boca.

¿Hacia donde te gustaría orientar tus pasos en el futuro?, ¿con qué disciplina te sientes más a gusto?

La verdad es que aún no lo sé. Cada disciplina nueva que conozco me sorprende y me gusta, incluso el maquillaje social, que no me atraía nada, ahora disfruto haciéndolo. Mi sueño es poder trabajar desarrollando mis propias ideas en cualquiera de las disciplinas.

A la vista de la calidad de la misma, ¿no has pensado alguna vez en realizar una exposición, o publicar tu obra a modo de artbook?

Si, es una de esas ideas que vienen cada cierto tiempo. En mi cabeza ya hice varias pero fuera de ella… a ver si más adelante.

Has estado vinculada al mundo del cine a través de tu colaboración como maquilladora en varios cortos ¿Qué opinas del cine en la actualidad?

Da pena ver como el cine taquillero se va comiendo a los cines pequeños, pero películas buenas, aunque sólo estén una semana en cartelera se siguen haciendo.

¿Cómo definirías en una palabra tus creaciones?

Buf, en dos: no se.

¿Qué es lo más especial que te ha ocurrido a lo largo de tu carrera?

La gente que conoces y que no teme enseñarte lo que sabe.

‘I will live’ again es el segundo video del último álbum de estudio de la popular formación sueca. Pertenece a la canción más comercial del largo y muestra una cuidada puesta en escena orquestada por el director Patric ullaeus (Dimmu Borgir, Lacuna Coil).

La canción suena en “Rise of the Tyrant“, un trabajo donde Angela Gossow está imparable y muy a gusto con su papel de frontwoman, como así lo demuestran todas las imágenes que últimamente nos llegan de la banda. De toda su etapa como vocalista del grupo, este es el trabajo más intenso y desgarrado en cuanto a labor vocal se refiere; por otra parte, las composiciones que la sostienen son una fantástica labor de investigación y desarrollo por parte de los hermanos Abott. Progresiones extremadamente elaboradas y repletas de matices.

“I Will Live Again” es muy parecida a la ‘headbangera’ y ‘videoclipera’ “We Will Rise”, y junto a “Revolution begins”, de lo más asequible.